Когда я училась в Омском Государственном Институте Сервиса,
нам, студентам кафедры дизайн костюма, постоянно говорили о том, что наше образование лучше заграничного. Именно
поэтому слова «Колледж Святого Мартина», лучшая школа дизайна в мире, никогда не звучали в наших стенах без
сопроводительных слов «Кафедра костюма омского государственного института
сервиса» или до боли родная аббревиатура
- ОГИС. Наш ОГИС – это Сейнт Мартинс колледж! И все тут. Зачем вам ехать в Лондон
и получать эквивалентное образование. Вы все уже умеете! Лично мне, как
человеку-перфекционисту, было сложно
представить, что я умею все. В то, что Лондон и Омск могут стоять на одной
ступени, мне, конечно, хотелось верить,
но увы, я хорошо знаю географию…
Бесспорно, я получила прекрасное образование. Наша «омская школа дизайна» - сильная школа. Моих полученных знаний сполна хватит для создания своего дела, которым я смогла бы жить и гордиться в будущем. К этому я и стремлюсь, тем более профессия «дизайнер одежды» - подходящая для этого профессия. Да, подходящая и очень выгодная. А то, что самих дизайнеров множество (точнее намного больше, чем мест в производстве в России), и многие выпускники с этой специальностью разочарованно говорят, что получили ее для того, чтобы подшивать штаны соседям – это все лишь девиации нашего общества. Но это совсем другая тема.
Итак, я получила хорошее 6-летнее образование по специальности дизайн костюма в своем родном городе Омске. При этом я уже проучилась 6 месяцев в Central Saint Martins College of Art and Design по той же специальности годичной постгредуэйт программы. Всего лишь шесть месяцев. Но различия русской и английской школы я успела почувствовать. И дело не в финансовых возможностях (бюджет лондонской школы превышает бюджет самого города Омска). Кстати, говоря о финансах, разрушу распространенное мнение о том, что туда могут поехать учиться все, у кого есть деньги. Моя группа состоит из 10 человек. Уж не думаю, что она осталась бы такой же маленькой, если бы в колледж брали со всего мира всех, кто может заплатить (для сравнения кафедра дизайна костюма ОГИСа выпускает каждый год около 60 специалистов).
Мне не стоит говорить о различии в самой атмосферы и окружающей среды. При выполнении заданий в колледже я наотрез отказалась пользоваться интернетом и журналами. К сожалению, в нашем городе – это единственные спасители для тех, кто как-то связан с фешн. В Лондоне я научилась черпать вдохновение с улиц. Научиться было нелегко. Творческие источники для меня всегда были связаны с историческим костюмом, искусством, с именами великих художников. Но все это уже несло в себе колоссальную энергетику. Мои костюмы лишь отражали ее. Оттого в моих работах было недостаточно современности. Гораздо сложнее создать энергетику из вычлененного материала, информации современного мира.
Второе различие заключается в подготовительном процессе создания коллекции. С первого проекта я поняла, что из-за огромного количества плагиата, повторов и заимствований, которые вполне естественны в сфере создания одежды, за границей уделяется огромное значение исследовательскому процессу, так называемому «research». Я была глубоко шокирована, когда мой тьютор отказалась смотреть 200 моих эскизов, не увидев гору вдохновляющего материала. А вдохновляющий материал – ни в коем случае не картинки из интернета, книжек и журналов. Это то, что мы сделали, нашли, узнали сами. Это наш собственный процесс. Наши собственные фотографии улиц и людей; собранные афиши, вырезки, рекламные открытки; найденные нами материалы; в конце концов, отрезанный кусочек скатерти местного ресторана. Это в первую очередь наш опыт, на котором будет основываться вся дальнейшая работа над коллекцией. Это наша интерпретация современного мира. В этом случае никто не скажет тебе, что ты украл эту деталь у Чалаяна, поскольку у тебя есть фотография здания, которое вдохновило создать эту деталь.
London project |
Muse project |
Четвертое отличие кроется в подходе к дизайнерскому процессу. Здесь нет терминов – вдохновение, «мне нравится – я делаю», «просто из головы». Дизайн здесь – исключительно экспериментально – технический процесс сродни химическому процессу. Вначале выбираешь материалы, затем путем опытов ищешь метод получения продукта (вся доля креатива и творчества лежит здесь) и, наконец, оформляешь весь полученный результат в готовую продукцию. После такого опыта уже не возникает страха, что твои идеи украдут. Не возникает нарочитой (всегда для меня непонятной) боязни передавать свои эскизы по электронной почте и пафосного разочарования от того, что ты, "такой гениальный", проработал у знаменитого дизайнера, который "такой сякой" воспользовался твоими идеями. О чем вы? Для настоящего дизайнера не составляет труда нарисовать гору эскизов, раз. И два: он знает механизм, благодаря которому можно генерировать бесконечное число разных идей. Этому механизму, к сожалению, не везде учат.
Самое главное, пятое различие, непрекращающаяся связь моды с производством. Никакой абстракции. У моего главного тьютора
есть своя консалтинговая фирма или так называемая design studio. Никогда за все свое
обучение в ОГИСе я не слышала от преподавателя фразы типа «тебе нужно
уплотнить плечевые швы, чтобы вещь хорошо смотрелась на вешалке». Никогда!
И понятно почему…к сожалению. По этой же
причине вопрос - для какой цели ты это
делаешь – один из ключевых вопросов всего дизайнерского процесса. Для чего мы ищем интересные картинки ? – для того,
чтобы найти там формы выражения будущей коллекции, а не украсить портфолио и
создать иллюзию гениального ума. Для чего мы выполняем 200 эскизов? – для того,
чтобы до предела развить идею и выбрать лучшие варианты изделий, а не для того,
чтобы показать свою неимоверную трудоспособность или заполнить пустые пространства на
развеске. Для чего мы используем фотошоп? – для того, чтобы механическим путем,
техническими комбинациями и приемами, преобразованием творческого источника получить неожиданные формы, членения и
фактуры, вплоть до готового эскиза; воссоздать целый look на
компьютере, который труднее воссоздать в материале, чтобы увидеть
целесообразность. Но фотошоп - никак не
средство для однодневной «стряпни» макулатуры должного количества. Для чего мы
делаем final illustrations или как у нас финальную серию? – для того, чтобы структурировать
все эскизы и посмотреть на коллекцию в целом, а не для того, чтобы презентовать
себя как отменного художника или, опять таки, благодаря огромному формату
быстро и легко заполнить пустое место на развеске. Никакой работы на публику, пусть даже
просвещенную. Работа только на самого себя. Исключительная практичность. Кроме того, учась в Лондоне, я впервые осознала "кайф" удивлять саму себя. Потому как до этого приходилось удивлять кого-либо, только не себя. Это действительно колоссальный прилив энергии, когда раскрываешь в себе то, о чем не знал. Ты смотришь на финальную вещь и вдруг понимаешь, что это то, ради чего ты "пахал", ради чего ты учишься быть дизайнером, ради чего ты живешь, в конце концов. И мнения других (также вдруг) перестают тебя волновать, потому что появляется уверенность в том, что эту вещь захотят во всех смыслах этого слова, и эта вещь приводит тебя в восторг.
Cutting project |
В сегодняшнем мире дизайнеров
много. И это мягко сказано. Казалось бы, как «разгрести себе место» в этой
гуще? Конечно, стремиться к созданию своего бренда на уровне бренда Chanel, немного бессмысленно, только потому что время другое. Так
же бессмысленно поразить общество
костюмами – арт – объектами. Дизайнеры –
не гениальные художники. Эра инженерных, фантастических «построек» на теле
человека прошла. Сейчас это не то, чтобы невозможно, это старомодно. Создать свой уникальный «мир»
форм, приемов, материалов и средств выразительности с конечным продуктом,
который захотят носить – гораздо сложнее. Но увлекательно и реально для любого
дизайнера в современном мире. Главное –
видеть, вычленять, исследовать, анализировать. Гениальная голова для этого не
обязательна.
И это мой взгляд…